Seminario Ppt
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7.6.09
8.5.09
ESCAPARATE TIENDA BOXMEN. VIERNES 8 MAYO 2009
Cuando se cierra la ventana no hay escapatoria, estoy sometida completamente a las miradas y los comentarios del público. Ahora observan detenidamente. Y yo mientras atrapada. Bastante angustiosa la sensación de no poder salir de ese espacio tan reducido.
"ARTE ES ESTAR"
http://www.ideal.es/granada/20090509/sociedad/vivir-escaparate-20090509.html
ME ESTOY APROPIANDO DE ESTE ESPACIO, CADA VEZ SE APROXIMA MÁS A MI HÁBITAT. EL CAOS REINA EN EL ESCAPARATE, LO HAGO MIO, SIN REPARO DE LAS MIRADAS ESCÉPTICAS.
EL PAPEL QUE ESTÁN TENIENDO LOS ESPEJOS ME SORPRENDE VERDADERAMENTE, CON EL EXCESO DE NARCISISMO QUE DESPRENDE NUESTRA CULTURA HOY EN DÍA, EN ESTE CASO EL ESPEJO LLEGA A ASUSTAR INCLUSO... PARECE QUE LA SENSACIÓN DE VERSE IMPLICADO EL ESPECTADOR EN MI ESPACIO CON SU REFLEJO PROVOCA NERVIOSISMO, Y RECHAZO HACIA EL REFLEJO DE UNO MISMO. PERO ESTE RECHAZO SE PRODUCE TAMBIÉN PORQUE YO CUSTODIO ESTOS ESPEJOS. MI PRESENCIA, ACOMPAÑA EL REFLEJO DEL PASEANTE QUE SE MUESTRA OCASIONALMENTE INCÓMODO.
... ARRANCO SONRISAS EN LOS ROSTROS ...
"ARTE ES ESTAR"
http://www.ideal.es/granada/20090509/sociedad/vivir-escaparate-20090509.html
ME ESTOY APROPIANDO DE ESTE ESPACIO, CADA VEZ SE APROXIMA MÁS A MI HÁBITAT. EL CAOS REINA EN EL ESCAPARATE, LO HAGO MIO, SIN REPARO DE LAS MIRADAS ESCÉPTICAS.
EL PAPEL QUE ESTÁN TENIENDO LOS ESPEJOS ME SORPRENDE VERDADERAMENTE, CON EL EXCESO DE NARCISISMO QUE DESPRENDE NUESTRA CULTURA HOY EN DÍA, EN ESTE CASO EL ESPEJO LLEGA A ASUSTAR INCLUSO... PARECE QUE LA SENSACIÓN DE VERSE IMPLICADO EL ESPECTADOR EN MI ESPACIO CON SU REFLEJO PROVOCA NERVIOSISMO, Y RECHAZO HACIA EL REFLEJO DE UNO MISMO. PERO ESTE RECHAZO SE PRODUCE TAMBIÉN PORQUE YO CUSTODIO ESTOS ESPEJOS. MI PRESENCIA, ACOMPAÑA EL REFLEJO DEL PASEANTE QUE SE MUESTRA OCASIONALMENTE INCÓMODO.
... ARRANCO SONRISAS EN LOS ROSTROS ...
5.5.09
IN VISIBLE
“IN VISIBLE”
Por Azucena Almendros.
Días 7, 8 y 9 de Mayo. De 10:00 a 21:00h.
Escaparate de la tienda BOXMEN, C/ La Paz, nº 4.
“La obsesiva atención al cuerpo y la importancia que a veces se da a la belleza, ha dejado en un segundo plano las grandes preguntas de la persona; ya no importa quienes somos sino quiénes parecemos ser. Es una ficción que da miedo e inseguridad. El miedo reside en encontrarnos desnudos de careta, mirarnos en el espejo y confortarnos frente a la pregunta primaria: quienes somos”
José Pérez Adán
La acción artística “In Visible” plantea una denuncia a los modelos estereotipados que a través de los maniquíes se nos muestran en los escaparates, estereotipos culturales que responden a una mirada centrada en el físico y en la estética proponiendo individuos elaborados desde la artificialidad.
Si, como explican Peter Berger y Thomas Luckmann, la identidad se produce por procesos sociales y necesitamos del otro para saber quiénes somos, ¿de qué forma estamos construyendo nuestra identidad cuando nos relacionamos con un maniquí?
En la acción “In visible”, el maniquí pasa a ocupar el lugar del espectador y la persona ocupa el lugar que éste deja en el escaparate. El maniquí es quien mira ahora a la persona… Realmente ¿quién construye a quién?
En esta acción el escaparate se comporta como una ventana con un doble sentido: por un lado alude a un espacio artificial que curioseamos diariamente; por otro genera un cuestionamiento de los límites entre lo íntimo y lo público: la persona en él situada hace su vida con normalidad (lee, escribe, come) mostrando aspectos íntimos de su cotidianeidad. Lo cotidiano, de esta forma, se muestra como el artefacto, bajo la mirada de un público que no espera encontrar en esa ventana a un individuo –singular, propio, concreto- sino a un sujeto estereotipado.
Este público, además, se ve reflejado en el espejo colocado en el interior del escaparate, formando parte tanto del espacio íntimo de la persona que se muestra como del espacio público en el que él se sitúa.
REFERENTES ARTÍSTICOS:
.ENSACORROTO
.PILAR ALBARRAICIN
Escaparates / Shop windows, 1993
Acción / Performance
.CONCHA JEREZ Y JOSÉ IGES
"PERSONA"
.TATSUROU BASHI
RESEÑA DE BLOGS Y WEBS CONSULTADOS:
-http://thestarandend.blogspot.com/2006/04/las-etiquetas-sociales.html
-http://www.ilustrae.com/ilustrae/2008/09/experiment-stic.html
-http://www.clarin.com/diario/2002/08/24/S-03601.htm
-http://www.alfayomega.es/estatico/anteriores/alfayomega359/enportada/ep_reportaje3.html
-http://www.oei.es/valores2/molina.htm
Por Azucena Almendros.
Días 7, 8 y 9 de Mayo. De 10:00 a 21:00h.
Escaparate de la tienda BOXMEN, C/ La Paz, nº 4.
“La obsesiva atención al cuerpo y la importancia que a veces se da a la belleza, ha dejado en un segundo plano las grandes preguntas de la persona; ya no importa quienes somos sino quiénes parecemos ser. Es una ficción que da miedo e inseguridad. El miedo reside en encontrarnos desnudos de careta, mirarnos en el espejo y confortarnos frente a la pregunta primaria: quienes somos”
José Pérez Adán
La acción artística “In Visible” plantea una denuncia a los modelos estereotipados que a través de los maniquíes se nos muestran en los escaparates, estereotipos culturales que responden a una mirada centrada en el físico y en la estética proponiendo individuos elaborados desde la artificialidad.
Si, como explican Peter Berger y Thomas Luckmann, la identidad se produce por procesos sociales y necesitamos del otro para saber quiénes somos, ¿de qué forma estamos construyendo nuestra identidad cuando nos relacionamos con un maniquí?
En la acción “In visible”, el maniquí pasa a ocupar el lugar del espectador y la persona ocupa el lugar que éste deja en el escaparate. El maniquí es quien mira ahora a la persona… Realmente ¿quién construye a quién?
En esta acción el escaparate se comporta como una ventana con un doble sentido: por un lado alude a un espacio artificial que curioseamos diariamente; por otro genera un cuestionamiento de los límites entre lo íntimo y lo público: la persona en él situada hace su vida con normalidad (lee, escribe, come) mostrando aspectos íntimos de su cotidianeidad. Lo cotidiano, de esta forma, se muestra como el artefacto, bajo la mirada de un público que no espera encontrar en esa ventana a un individuo –singular, propio, concreto- sino a un sujeto estereotipado.
Este público, además, se ve reflejado en el espejo colocado en el interior del escaparate, formando parte tanto del espacio íntimo de la persona que se muestra como del espacio público en el que él se sitúa.
REFERENTES ARTÍSTICOS:
.ENSACORROTO
.PILAR ALBARRAICIN
Escaparates / Shop windows, 1993
Acción / Performance
.CONCHA JEREZ Y JOSÉ IGES
"PERSONA"
.TATSUROU BASHI
RESEÑA DE BLOGS Y WEBS CONSULTADOS:
-http://thestarandend.blogspot.com/2006/04/las-etiquetas-sociales.html
-http://www.ilustrae.com/ilustrae/2008/09/experiment-stic.html
-http://www.clarin.com/diario/2002/08/24/S-03601.htm
-http://www.alfayomega.es/estatico/anteriores/alfayomega359/enportada/ep_reportaje3.html
-http://www.oei.es/valores2/molina.htm
31.3.09
GREGOR SCHNEIDER: El artista del sexto sentido
Hoy en día con los nuevos avances tecnológicos dentro del terreno artístico han revolucionado en cierta manera la relación obra-espectador, muchas de las obras contemporáneas se han convertido en un video juego que parte y se produce en un terreno real y ficticio al mismo tiempo. El artista trata que la obra interactúe con los sentidos “comunes” a cada ser para hacerlo formar parte de la obra y sobre todo para encuadrarla dentro de un arte sensitivo propiamente dicho. Es una forma bastante fácil por así decirlo, ya que los medios nos lo ponen en bandeja, de llegar de manera directa al espectador.
Parto de este hecho para hablar de la obra de Gregor Schneider, sus obras a mi parecer, se consumen con la mirada, con la estancia en dicho espacio, pero no es la vista el sentido primordial, a través del cual el artista penetra en el espectador, o más bien deja su huella, sino que se consume a través de este sentido. Es la trascendencia de estas obras a través de la vista lo que supone un gran espectáculo, pero no un espectáculo de masas como a los que acostumbramos, sino individual, adaptado a cada individuo porque es la persona la que capta y se apodera de los sentimientos que nos intenta transmitir dicho artista. Sus obras despiertan en la persona ciertas emociones que a mi parecer suponen un sexto sentido, porque toda persona se siente en algún momento de su vida, sino en varios, sensaciones interiores tan profundas así como un ruido o un olor fuerte, que hacen cambiar la percepción del individuo y que no se considera un sentido comunitario porque según la experiencia y la configuración existencial de cada individuo se modifica. Y es muy interesante esta postura en el arte, porque una estancia asfixiante o un espacio vacío remiten a este sentido al visitante de manera tan directa como lo puede hacer una pantalla táctil o un sensor de movimiento, podríamos decir que el arte de Schneider entra en la interactividad en el interior del individuo, parte desde dentro de este.
Dejando a un lado esta cuestión de sentidos, y emociones, es importante hablar también del compromiso crítico social que tiene su obra en el panorama artístico. Sus temas arriesgados y controvertidos atraen al espectador a la vez que lo repulsa, porque haciendo referencia a su proyecto sobre “el arte de la muerte” se hace evidente esta situación, por lo que no se ha llevado a cabo todavía. No cualquier persona esta capacitada para vivir de manera tan directa la muerte ajena, aunque todos y cada uno terminamos por experimentarla, o quizá no todo el mundo desea afrontar tan directamente este hecho. Supone una dureza y una frialdad por parte del espectador para afrontar coherentemente la situación, supone una preparación previa de la que el artista se aprovecha para hacernos llegar el fallecimiento humano, con ese factor de la sorpresa y lo desprevenimiento con que juega en numerosas ocasiones. Si se entiende la muerte como parte de la vida, esta obra se calificaría de bella, pero comúnmente no se ha aceptado todavía la muerte como otro paso más sino como algo externo, algo de lo que no queremos saber, huimos de este hecho constantemente sin pensar en que verdaderamente está ahí, y aparece en cualquier momento; entonces en este caso la obra supondría una frivolidad, incluso un ataque contra la moral.
Cuando conocí el intención de este artista, lo primero que se me vino a la cabeza fue ¿por qué no habrá intentado esto antes ningún otro artista? Y ahora entiendo que es el compromiso del artista con lo que quiere contar lo que le ha llevado a proyectar esta idea como algo viable, como propuesta a la que atenerse. Una de dos, o este artista se ha vuelto loco o ha meditado tan friamente y tan razonablemente sobre el tema que le ha llevado a intentar realizar dicha propuesta, y que seguramente logrará hacerla realidad.
Las modificaciones de su casa en Rheydt me parecen una verdadera obra de arte, no solo ya por el trabajo que conlleva llevarlo a cabo y tampoco por lo que pueda transmitir al espectador dentro de este lugar, sino por el concepto de una casa dentro de otra, porque ciertamente nuestra casa, o el espacio que habitualmente habitamos es a veces no reconocido como espacio habitado, no reconocdio dentro de nuestro pensamiento, porque nos sentimos en lugar de refugiados dentro de, atrapados en, situaciones y sentimientos diferentes que cambian en cada momento de nuestar vida, o que por una u otra causa nos hace que cambie nuestra percepción del lugar.
Creo que Schneider ataca directamente este sentido del transito emocional de los espacios en nuestra cotidianidad, pero desde los sentimientos más ocultos y mas profundos de su ser, de su propia experiencia. Este concepto que maneja su obra, me interesa en especial, porque me interesa el arte del concepto, un arte meditado que esconde la esencia detrás del medio por el que se manifiesta. Aunque reconozco que de esta manera el arte se convierte en elitista, se eleva por encima de las posibilidades de cualquier individuo de a pie y se reserva para aquellas mentes cuyo sexto sentido está mas desarrollado. El arte queda reservado para el mundo del arte aún queriendo hacerlo público y teniendo que ser público, porque sin este deja de funcionar.
Parto de este hecho para hablar de la obra de Gregor Schneider, sus obras a mi parecer, se consumen con la mirada, con la estancia en dicho espacio, pero no es la vista el sentido primordial, a través del cual el artista penetra en el espectador, o más bien deja su huella, sino que se consume a través de este sentido. Es la trascendencia de estas obras a través de la vista lo que supone un gran espectáculo, pero no un espectáculo de masas como a los que acostumbramos, sino individual, adaptado a cada individuo porque es la persona la que capta y se apodera de los sentimientos que nos intenta transmitir dicho artista. Sus obras despiertan en la persona ciertas emociones que a mi parecer suponen un sexto sentido, porque toda persona se siente en algún momento de su vida, sino en varios, sensaciones interiores tan profundas así como un ruido o un olor fuerte, que hacen cambiar la percepción del individuo y que no se considera un sentido comunitario porque según la experiencia y la configuración existencial de cada individuo se modifica. Y es muy interesante esta postura en el arte, porque una estancia asfixiante o un espacio vacío remiten a este sentido al visitante de manera tan directa como lo puede hacer una pantalla táctil o un sensor de movimiento, podríamos decir que el arte de Schneider entra en la interactividad en el interior del individuo, parte desde dentro de este.
Dejando a un lado esta cuestión de sentidos, y emociones, es importante hablar también del compromiso crítico social que tiene su obra en el panorama artístico. Sus temas arriesgados y controvertidos atraen al espectador a la vez que lo repulsa, porque haciendo referencia a su proyecto sobre “el arte de la muerte” se hace evidente esta situación, por lo que no se ha llevado a cabo todavía. No cualquier persona esta capacitada para vivir de manera tan directa la muerte ajena, aunque todos y cada uno terminamos por experimentarla, o quizá no todo el mundo desea afrontar tan directamente este hecho. Supone una dureza y una frialdad por parte del espectador para afrontar coherentemente la situación, supone una preparación previa de la que el artista se aprovecha para hacernos llegar el fallecimiento humano, con ese factor de la sorpresa y lo desprevenimiento con que juega en numerosas ocasiones. Si se entiende la muerte como parte de la vida, esta obra se calificaría de bella, pero comúnmente no se ha aceptado todavía la muerte como otro paso más sino como algo externo, algo de lo que no queremos saber, huimos de este hecho constantemente sin pensar en que verdaderamente está ahí, y aparece en cualquier momento; entonces en este caso la obra supondría una frivolidad, incluso un ataque contra la moral.
Cuando conocí el intención de este artista, lo primero que se me vino a la cabeza fue ¿por qué no habrá intentado esto antes ningún otro artista? Y ahora entiendo que es el compromiso del artista con lo que quiere contar lo que le ha llevado a proyectar esta idea como algo viable, como propuesta a la que atenerse. Una de dos, o este artista se ha vuelto loco o ha meditado tan friamente y tan razonablemente sobre el tema que le ha llevado a intentar realizar dicha propuesta, y que seguramente logrará hacerla realidad.
Las modificaciones de su casa en Rheydt me parecen una verdadera obra de arte, no solo ya por el trabajo que conlleva llevarlo a cabo y tampoco por lo que pueda transmitir al espectador dentro de este lugar, sino por el concepto de una casa dentro de otra, porque ciertamente nuestra casa, o el espacio que habitualmente habitamos es a veces no reconocido como espacio habitado, no reconocdio dentro de nuestro pensamiento, porque nos sentimos en lugar de refugiados dentro de, atrapados en, situaciones y sentimientos diferentes que cambian en cada momento de nuestar vida, o que por una u otra causa nos hace que cambie nuestra percepción del lugar.
Creo que Schneider ataca directamente este sentido del transito emocional de los espacios en nuestra cotidianidad, pero desde los sentimientos más ocultos y mas profundos de su ser, de su propia experiencia. Este concepto que maneja su obra, me interesa en especial, porque me interesa el arte del concepto, un arte meditado que esconde la esencia detrás del medio por el que se manifiesta. Aunque reconozco que de esta manera el arte se convierte en elitista, se eleva por encima de las posibilidades de cualquier individuo de a pie y se reserva para aquellas mentes cuyo sexto sentido está mas desarrollado. El arte queda reservado para el mundo del arte aún queriendo hacerlo público y teniendo que ser público, porque sin este deja de funcionar.
28.2.09
MARTHA ROSLER, la casa, la calle, la cocina
La exposición de Martha Rosler, la casa, la calle, la cocina, actualmente presentada en el Centro José Guerrero de Granada muestra la cruda realidad de un momento de la historia determinado, la guerra del Vietnam, en contraste con la acomodación social de la clase media alta americana, pero dándole un sentido crítico no solo de situación política sino desde el punto de vista de la situación de la mujer dentro del hogar así como se presenta en los medios. El estudio del espacio representativo para albergar las acciones en su obra es una de sus claves más importantes, se puede observar una ordenación de los elementos en el espacio muy cuidados ademas la integración de unas imágenes con otras denotan una premeditación exhaustiva de la lógica de los temas, apoyándose de esas composiciones para reforzar su mensaje.
Estas piezas se realizaron entre los 60 y 70, y en su momento suponían una verdadera crítica pero creo que hoy en día supone mayor crítica todavía porque los problemas sociales que se atacan se han incrementado con el paso del tiempo. Podríamos comparar el desastre de esta guerra con el Holocausto que se produce en Gaza, de hecho una obra en concreto muestra como fondo el salón de una casa y en primer plano una mujer vietnamita portando a su hijo muerto en brazos, una imagen que desgraciadamente en estos últimos meses está conviviendo con nosotros y que nos llega desde Gaza. Lo comparo con este hecho bélico porque es el de mayor actualidad pero es una imagen que se repite en toda guerra.
Digamos que se apropia de espacios diferentes para hablarnos de tres temas diferentes, la calle como espacio que es habitado por una cierta clase de personas, los vagabundos y borrachos, la cocina como el espacio propio para la mujer, criticando el machismo imperante de la sociedad, aprovechando también este espacio para mostrar el consumismo alimenticio que nos desborda en la actualidad, y los demás habitáculos de la casa los relaciona con la guerra del Vietnam mostrando la clara diferencia y descompensación que existe mundial mente entre los diferentes pueblos, hacer evidente el hogar confortable de una clase social y el sabotaje de los hogares de los vietnamitas que en ese momento convivían entre armas, destrozos y dolor.
En cuanto a las técnicas que utiliza en su proyecto, creo que la combinación de las imágenes de la calle con la palabra es el que más interesante me parece, porque ya no es solo el hecho de combinar dos artes diferentes palabra/imágenes, sino cómo hace esa combinación. Las palabras llegan a ser sustitutos de las imágenes de los vagabundos y demás ocupadores de ese espacio. El juego de la ausencia/presencia es clave en este trabajo, porque evidencia directamente el hecho que se produce en las calles, realmente esta clase de peronas van dejando su presencia en los espacios donde se han albergado en algúm momento dado.
23.2.09
Holocausto en Gaza
Aquí dejo constancia de la propuesta de Alfonso Masó para protestar por el holocausto de Gaza. Esuculturas realizadas por los alumnos de bellas artes bajo la supervisión de dicho profesor. Se situaron en la plaza del Carmen el 12 de Enero de 2008.
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